Mit seiner außergewöhnlichen Musikalität und einer grenzenlosen technischenFertigkeit zählt der amerikanische Organist Cameron Carpenter nicht nur zu den Ausnahmekünstlern der internationalen Musiklandschaft, sondern hat wie kaum ein anderer das öffentliche Bild seines Instrumentes verändert und geprägt. 1981 in Pennsylvania in der USA, geboren, führte Cameron Carpenter mit elf Jahren erstmals Johann Sebastian Bachs »Wohltemperiertes Klavier« auf und wurde 1992 Mitglied der American Boychoir School. Neben seiner Mentorin Beth Etter zählten John Bertalot sowie James Litton zu seinen Lehrern.

An der University of North Carolina School of the Arts studierteer Komposition und Orgel bei John E. Mitchener – und transkribierte währenddessen über 100 Werke für Orgel, unter anderem Gustav Mahlers Sinfonie Nr. 5. Die ersten eigenen Kompositionen entstanden während seiner Zeit an der Juilliard School in New York, deren Student er von 2000 bis 2006 war. 2011 wurde sein Konzert für Orchester und Orgel The Scandal, ein Auftragswerk der Kölner Philharmonie, mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen uraufgeführt. 2021 wurde seine Konzert-Overtüre für Orchester und Orgel Great Expectations mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin aus der Taufe gehoben.

Ein weiterer Schwerpunkt seiner Arbeit liegt in der Begleitung von Stummfilmen, als deren Botschafter er weltweit agiert: Seine Version von Fritz Langs Monumentalepos Metropolis erklang in Hongkong ebenso wie gerade unlängst im New Yorker Lincoln Center.

Als Solist gastiert er in allen bedeutenden Konzertsälen in Europa, Amerika, Asien und Australien. Sein breites Repertoire umfasst Werke von Bach ebenso wie die der Romantik bis hin zu Werken wie dem Orgelkonzert von Terry Riley, das für ihn geschrieben und von ihm uraufgeführt wurde.

Seine Diskographie umfasst Bachs »Goldberg-Variationen« und Howard Hansons 2. Sinfonie »Romantic« (2022), die »Paganini-Variationen« von Sergei Rachmaninoff sowie Francis Poulencs Orgelkonzert mit dem Konzerthausorchester Berlin (2019) die den OPUS KLASSIK 2020 gewann sowie die Alben »All You Need is Bach« (2016) und »If You Could Read My Mind« (2013). Sowie »Revolutionary« (2008) und »Cameron Live!« (2010).

Weltweit bekannt für sein vielseitiges Repertoire und seine Virtuosität, begeistert das Grammy-prämierte Vokalensemble Chanticleer – unter der Leitung von Musikdirektor Tim Keeler – mit außergewöhnlicher stimmlicher Präzision, klanglicher Reinheit und stilistischer Ausdruckskraft. Die Boston Globe lobte Chanticleer als „atemberaubend in Intonation, Klangbalance, Farbenreichtum und stilistischer Souveränität.“ 1978 in San Francisco vom Sänger und Musikwissenschaftler Louis Botto gegründet, etablierte sich Chanticleer rasch als eines der produktivsten Tournee- und Aufnahmeensembles der Welt. Als „Orchester der Stimmen“ hat das Ensemble tausende Live-Konzerte gegeben und über eine Million Tonträger verkauft.

Seine Wurzeln hat Chanticleer in der Musik der Renaissance, doch das Repertoire umfasst heute ebenso klassische Werke, Gospel, Jazz und populäre Musik. Ein besonderes Highlight ist das Programm A Chanticleer Christmas, mit dem das Ensemble jedes Jahr im Dezember auf Tournee geht. Im Herbst 2025 erscheint das neue Weihnachtsalbum Joy to the World. Mit großem Engagement für neue Kompositionen und Arrangements rückt Chanticleer regelmäßig amerikanisches Repertoire und einen unverwechselbar amerikanischen Klang in den Mittelpunkt – ein Spiegel der stilistischen und personellen Vielfalt des Ensembles. Viele der zahlreichen Aufnahmen dokumentieren diese Auftragswerke und wurden mit renommierten Preisen ausgezeichnet – darunter zwei Grammy Awards für Sir John Tavener’s Lamentations & Praises sowie die Sammlung Colors of Love. Das Album Our American Journey wurde 2025 in das National Recording Registry der Library of Congress aufgenommen. Chanticleer wurde mit dem Dale Warland Commission Award und dem Chorus America/ASCAP Award for Adventurous Programming ausgezeichnet. Joseph H. Jennings, langjähriger Sänger und Musikdirektor des Ensembles, erhielt für seine herausragende Arbeit im afroamerikanischen Chorerbe den Brazeal Wayne Dennard Award.

Benannt nach dem „klar singenden“ Hahn aus Geoffrey Chaucers Canterbury Tales, wurde Chanticleer 2008 von Musical America zum Ensemble des Jahres ernannt und in die American Classical Music Hall of Fame aufgenommen. Die vielfach ausgezeichneten Education-Programme des Ensembles – geehrt mit dem Chorus America Education Outreach Award – haben seit ihrer Gründung zehntausende Schüler*innen und Studierende erreicht.

Biografien folgen

Tenebrae Choir
„Ein Chor der Superlative!“ (Oberösterreichische Nachrichten vom 20. September 2022)
„Wenn es so etwas wie Perfektion im A-cappella-Gesang gibt, dann ist der Tenebrae Choir nah dran.“ (Hannoversche Allgemeine vom 16.09.2019)
„Vokalmusik in dieser Vollendung und von diesem ästhetischen Anspruch (...) hat absoluten Seltenheitswert.“ (Rheinpfalz - Speyerer Rundschau vom 22.05.2018)

Beschrieben als „phänomenal“ (The Times) und „umwerfend schön“ (Gramophone Magazine) ist der preisgekrönte Tenebrae Choir eines der weltweit führenden Vokalensembles, das für seine Leidenschaft und Präzision bekannt ist. Unter der Leitung von Nigel Short tritt der Tenebrae Choir bei bedeutenden Festivals und Veranstaltungsorten in der ganzen Welt auf, darunter den BBC Proms, dem Edinburgh International Festival, der Elbphilharmonie Hamburg, dem Gstaad Menuhin Festival und dem Melbourne Festival.

Die Interpretationen sind hochgelobt und reichen von der Renaissance bis hin zu zeitgenössischen Meisterwerken von Komponistinnen und Komponisten, wie Judith Bingham, Ola Gjeilo, Alexander L’Estrange, Alexander Levine, Paweł Łukaszewski, Paul Mealor, Hilary Tann, Joby Talbot, Sir John Tavener und Will Todd. Das Vokalensemble wird mit den besten Orchestern der Welt engagiert und tritt regelmäßig mit der Academy of Ancient Music, dem Aurora Orchestra und der Britten Sinfonia auf und veranstaltet außerdem ein jährliches Karwochen Festival in Zusammenarbeit mit St John’s Smith Square.

Die Entwicklung des Chors ist auch ein zentraler Bestandteil des Ethos von Tenebrae und der Chor hat eine inspirierende Workshop-Methode, den Tenebrae-Effekt, entwickelt, um jeden Teilnehmer zu fordern und zu fördern, indem er Fähigkeiten vermittelt, die für eine Tenebrae-Aufführung essenziell ist. Seit 2016 bietet der Chor einem Quartett herausragender junger professioneller Sängerinnen und Sänger entscheidende Ausbildungs- und Auftrittsmöglichkeiten im Rahmen des Associate Artist Scheme. Als Teil dieses Stipendiums erleben diese jungen Sänger regelmäßig Workshops zur Chorentwicklung in Zusammenarbeit mit den Bildungspartnern von Tenebrae, dem Music Centre London und dem London Youth Choir.

Die ständig wachsende Diskographie von Tenebrae hat zu einer Zusammenarbeit mit Signum, Decca Classics, Deutsche Grammophon, EMI Classics, LSO Live und Warner Classics geführt. Im Jahr 2012 war Tenebrae das erste Ensemble, das mehrfach in derselben Kategorie für die BBC Music Magazine Awards nominiert wurde und erhielt die Auszeichnung „Beste Chordarbietung“ für die Aufnahme von Victorias Requiem-Messe von 1605. Im darauffolgenden Jahr wurde Tenebrae’s Fauré-Requiem mit dem London Symphony Orchestra für die Gramophone Awards nominiert, nachdem es als „das beste Fauré-Requiem auf CD“ und „die englische Chortradition auf ihrem Höhepunkt“ bezeichnet (Richard Morrison, leitender Musikkritiker, The Times) wurde.

2014 erreichte die Aufnahme des Chors mit russisch-orthodoxer Musik, „Russian Treasures“, die Nummer 1 in den britischen Specialist Classical Charts. Im Jahr 2016 erhielt Tenebrae seinen zweiten BBC Music Magazine Award für eine Einspielung von Brahms- und Bruckner- Motetten, deren Verkaufserlös dem Macmillan Cancer Support diente und erhielt 2018 eine Grammy-Nominierung für „Music of the Spheres“, ein Album mit Liedern von den Britischen Inseln. „Leidenschaft und Präzision“ sind die Kernwerte von Tenebrae. Durch diese Ideale schafft es dieses einzigartige Ensemble dramatische Programme, makellose Aufführungen und unvergessliche Erlebnisse zu bieten, die es dem Publikum auf der ganzen Welt ermöglichen, von der Kraft und Intimität der menschlichen Stimme bewegt zu werden.

Nigel Short
Der preisgekrönte Dirigent Nigel Short hat für seine Aufnahmen und Live-Auftritte mit führenden Orchestern und Ensembles in aller Welt breite Anerkennung bekommen. Als ehemaliges Mitglied des renommierten Vokalensembles The King’s Singers (1994 – 2000) gründete er 2001 Tenebrae, einen virtuosen Chor, der die Leidenschaft eines Kathedralchors mit der Präzision eines Kammerensembles verbindet. Unter seiner Leitung hat Tenebrae mit international anerkannten Orchestern und Instrumentalisten zusammengearbeitet und genießt nun den Ruf als eines der besten Vokalensembles der Welt.

Bis heute dirigierte Nigel Short die Academy of Ancient Music, das Aurora Orchestra, das BBC Symphony Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, English Chamber Orchestra, English Concert, das London Philharmonic Orchestra, das London Symphony Orchestra, das Orchestra of the Age of Enlightenment, Royal Philharmonic Orchestra, Scottish Ensemble und Britten Sinfonia. Er leitete das London Symphony Orchestra zusammen mit Tenebrae bei einer Live-Aufnahme von Faurés Requiem, die für die Gramophone Awards (2013) nominiert wurde und seither hat er das Orchester in der St. Paul’s Cathedral im Rahmen des City of London Festival dirigiert. Zu seinen weiteren Orchesteraufnahmen gehören Mozarts Requiem und Ave Verum Corpus mit dem Chamber Orchestra of Europe und eine neue Veröffentlichung von Musik von Bernstein, Strawinski und Zemlinski mit dem BBC Symphony Orchestra, die als „Meisterleistung der Programmierung“ (Financial Times) beschrieben wird. Zu seinen jüngsten Gastdirigaten zählen die BBC Singers, der MDR Rundfunkchor Leipzig und das Danish National Vocal Ensemble.

Nigel Short verfügt über umfangreiche Aufnahmeerfahrungen und hat für viele der weltweit wichtigsten Labels, wie Decca Classics, Deutsche Grammophon, EMI Classics, LSO Live, Signum und Warner Classics dirigiert. Im Jahr 2018 erhielt er eine Grammy-Nominierung in der Kategorie „Beste Chordarbietung“ für das Tenebrae-Album „Music of the Spheres“ mit Liedern von den britischen Inseln. Als ein mit dem Gramophone Award ausgezeichneter Produzent arbeitet er mit vielen der führenden professionellen Chöre und Vokalensembles Großbritanniens, darunter Alamire, Ex Cathedra, Gallicantus und The King’s Singers.

Stegreif
Organisatorisches Selbstverständnis:
Nicht nur auf der Bühne, sondern auch dahinter, steht Stegreif für eine kollektive Arbeitsweise. Wir möchten traditionell streng hierarchischen Strukturen der Orchesterwelt durch gemeinschaftliche Prozesse ersetzen. In der Sparte Musik sind kollektive Schaffensprozesse bisher eine Rarität und es hält sich das Vorurteil, dass demokratisches Arbeiten im Orchester nicht möglich ist. Es ist uns ein Anliegen, neue Formen der (kollektiven) Zusammenarbeit zu erforschen, zu etablieren und andere Gruppen dazu zu ermutigen, da wir merken, dass man dadurch das Potential einer Gruppe besser ausschöpfen und Konflikte anders lösen kann.

Gesellschaftliches Selbstverständnis:
Der achtsame Umgang mit uns, unserer (Um-)Welt und unserer Kunst ist wesentlicher Teil unserer Identität. Als Orchester verstehen wir uns daher als gesellschaftlicher Akteur, verbinden gerne unsere musikalische Arbeit mit interaktiven Vermittlungsformaten und engagieren uns mit Projekten wie "bechange – 17 Klänge der Nachhaltigkeit" leidenschaftlich für nachhaltige Entwicklungen. Dabei prägen uns die Werte: Mission – statt Ablenkung, Dynamische Entscheidung – statt Lähmung, Weisheit – statt Ego, Unterschiede wertschätzen – statt ausblenden, verantwortliche Freiheit – statt starre Regeln und Raum für Energie – statt Zeitdruck.

Geschichte:
Ohne Noten - Ohne Dirigent*in - Ohne Stühle: Stegreif zeigt neue Wege, wie ein zeitgenössisches Orchester heute aussehen kann. Die internationalen Musiker*innen verbinden in radikalen Rekompositionen sinfonische Musik mit Improvisation und Einflüssen anderer Genres und binden das Publikum in originelle Raumkonzepte ein. Mit diesen innovativen Konzertformaten begeistert das junge Ensemble ein wachsendes Publikum unterschiedlicher Zielgruppen.
Seit der Gründung des Orchesters im Jahre 2015 wurde jedes Jahr mindestens ein neues Konzertprogramm erarbeitet: freebeethoven, freeschubert, freebrahms, free∃roica, bfree, freemahler, explore_mozart, explorefreischütz, improphonie, symphony of change, explore_händel, freebruckner oder freesolo. Zudem wurden Koproduktionen u.a. mit der Neuköllner Oper (GIOVANNI. Eine Passion, MOON MUSIC, Neue Lieder von der Erde), dem PODIUM Esslingen, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und der jungen norddeutschen philharmonie (TRIKESTRA), den Berliner Festspielen (Down to Earth), dem Into The Open Festival oder dem Beethovenfest Bonn realisiert.
Stegreif spielte dabei Konzerte auf renommierten Bühnen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, der Elbphilharmonie Hamburg, dem Brucknerhaus Linz, der Tonhalle Düsseldorf, dem Radialsystem Berlin, beim Lucerne Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen, dem ION Nürnberg sowie bei der FUSION, dem Detect Classic Festival, dem Ancient Trance Festival, dem Oranjewoud Festival (NL), auf dem Holzmarkt oder im exploratorium Berlin.
Neben den Komponistinnen des Ensembles wie Juri de Marco, Alistair Duncan, Julia Bilat, Franziska Aller, Tabea Schenk, Nina Kazourian, Sebastian Caspar oder Bertram Burkert, gab Stegreif Werke und Arrangements in Auftrag bei Uri Caine, Mike Conrad, Wolf Kerschek, Malte Schiller sowie Claas Krause. Außerdem arbeitete es mit den Regisseurinnen Tristan Braun, Gineke Pranger, Ulrike Schwab, Tino Sehgal, Sommer Ulrickson, David Fernández, Theresa von Halle und Ela Baumann sowie mit musikalischen Gästen Abel Selaocoe, Caroline Widmann, Nils Landgren, Markus Stockhausen, Thomas Klug und Rosanne Philippens zusammen.

Musikvermittlung:
Daneben wurden strukturiert Musikvermittlungskonzepte aufgebaut. Das Orchester gibt regelmäßig Workshops, Kinder-Konzerte, hat mehrfach mit Laien oder Jugendlichen gemeinsame Konzertprogramme entwickelt wie z.B. Carmen mit den Weimarer Stadtstreichern oder BE:community mit dem Konzerthaus Dortmund und nicht zuletzt mit plural eine eigene digitale Education-Serie ins Leben gerufen.

Preise:
Stegreif wurde bereits mit folgenden Preisen ausgezeichnet: Startup-Music-Preis Berlin 2016 "D-Bü" Wettbewerb Studierender der deutschen Musikhochschulen 2017 (Thema: Zukunft des Konzertformats), Würth Preis 2018 der Stiftung Jeunesses Musicales, Fellowship im Programm #bebeethoven des PODIUM Festivals Esslingen 2018-2020, Europäische Trendmarke des Jahres 2019 beim 14. Europäischen Kulturmarken-Award, TONALi Award 2023 'Mut zur Utopie'.

Mit 20 Jahren war Anna Prohaska erstmals an der Staatsoper Unter den Linden zu hören, der sie trotz ihrer internationalen Karriere weiterhin als Ensemblemitglied verbunden bleibt. Anna Prohaska fällt durch ihr ungemein vielfältiges Repertoire auf, von Monteverdi bis hin zu Uraufführungen, und arbeitet hier mit Dirigenten wie Daniel Barenboim, Philippe Jordan oder Sir Simon Rattle. Bald wurde sie auf viele weitere große Bühnen geholt, darunter die Mailänder Scala, das Bolshoi Theater, De Nationale Opera Amsterdam, das Royal Opera House Covent Garden oder die Pariser Oper.

Anna Prohaska ist seit 2008 regelmäßig zu Gast bei den Salzburger Festspielen und ist dort nach der Zerlina (Don Giovanni), Despina (Così fan tutte) und Deola in Luigi Nonos Al Gran Sole, Carico d’Amore und Susanna in Le nozze di Figaro, 2017 als Cordelia in Reimanns Lear zu hören.

Auf der Bühne der Bayerischen Staatsoper München war die Sopranistin als Blonde und Adele und 2016 in Les Indes Galantes zu erleben. 2012 widmete ihr Jörg Widmann die Partie der Inanna in seiner Oper “Babylon” (musik. Ltg.: Kent Nagano).

Auch in den wegweisenden Konzerthäusern weltweit ist sie gefragt. Konzerte führten sie zum Cleveland Orchestra, dem LA Philharmonic Orchestra, dem NHK Symphony Orchestra Tokyo, zum London Symphony Orchestra, den Wiener und den Berliner Philharmonikern oder zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Sie sang unter Claudio Abbado, Herbert Blomstedt, Pierre Boulez, Daniel Harding, Mariss Jansons, Yannick Nézét-Séguin, Gustavo Dudamel oder Franz Welser-Möst.

Einen besonderen Stellenwert nimmt die Alte Musik für sie ein, häufig trat sie mit Nicolaus Harnoncourt und dem Concentus Musicus auf und arbeitet regelmäßig mit der Academy of Ancient Music, dem Freiburger Barockorchester oder der Akademie für Alte Musik Berlin zusammen.

In der Saison 17/18 ist Anna Prohaska wieder am Theater an der Wien in einer Neu-Inszenierung von Claus Guth (Händels Saul) sowie am Royal Opera House Covent Garden als Nannetta in Verdis Falstaff zu Gast. Auch an ihrem Berliner Stammhaus, der Staatsoper Unter den Linden, ist sie in einer Premiere zu erleben: In der Titelpartie von L’incoronazione di Poppea von Monteverdi.

Auf dem Konzertpodium ist sie als Residenzkünstlerin der Philharmonie Luxemburg wie auch mit der Staatskapelle Berlin unter der Leitung von Daniel Barenboim in Berlin und im Wiener Musikverein in den Oratorien von Debussy in einer ganz anderen Facette zu erleben.

Nachdem sie schon bei den Eröffnungskonzerten des Pierre Boulez Saals mitgewirkt hat, verwirklicht sie dort im März 2018 mit Schönbergs Pierrot Lunaire einen lang gehegten Repertoirewunsch, unter der Leitung von Zubin Mehta, am Klavier auch diesmal Daniel Barenboim.

Mit ihren thematischen Liederabenden ist Anna Prohaska gern gesehener Gast in Liedzentren wie der Schubertiade Schwarzenberg, der Wigmore Hall London, in Wien oder Berlin. 2018, zum 100-jährigen Jahrestag des Endes des 1. Weltkrieges, gibt Anna Prohaska Liederabende mit ihrem Programm „Behind the Lines“, das bereits 2014 bei der Deutschen Grammophon als Album erschienen ist.

Bei der Deutschen Grammophon brachte sie bereits zahlreiche Einspielungen heraus, für die sie mit Preisen wie dem ECHO Klassik ausgezeichnet wurde. Ihr neuestes Album Serpent & Fire: Arias for Dido and Cleopatra mit Il Giardino Armonico (alpha) stieg gleich ganz oben in den Klassik-Charts ein.

Eric Schneider
Biografie folgt

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Established as the leading worldwide ambassador for his instrument, French organist Olivier Latry has performed in the world’s most prestigious venues, been the guest of top orchestras throughout the world under renowned conductors, recorded for major labels and premiered an impressive number of works.

Named titular organist at Notre-Dame in Paris at the age of 23 and organist Emeritus at the Orchestre National de Montréal since 2012, Olivier Latry is an accomplished, thoughtful and adventurous musician, exploring all possible fields of the organ music, with an exceptional talent as an improviser.

Olivier Latry regularly appears in venues like the Berlin Philharmonie, Philharmonie de Paris, Walt Disney Hall Los Angeles, San Francisco’s Davies Hall, Amsterdam’s Concertgebouw, Hamburg’s Elbphilharmonie, Philadelphia’s Verizon Hall, Gewandhaus Leipzig, Vienna’s Musikverein and Konzerthaus, Palace of Arts Budapest, Royal Festival Hall and Royal Albert Hall in London, KKL Lucerne, Suntory Hall, Rotterdam’s de Doelen, Manchester’s Bridgewater Hall, and as a soloist with orchestras including Berliner Philharmoniker, Philadelphia Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Boston Symphony, NHK Symphony Orchestra, Münchner Philharmoniker, Philharmonia Orchestra, Wiener Symphoniker, Rotterdam Philharmonic, Sydney Symphony, RSO Wien, Hong-Kong Philharmonic, Toronto Symphony, Orchestre Symphonique de Montréal, Orchestre National de France, under conductors Myung-Whun Chung, Andris Nelsons, Esa-Pekka Salonen, Osmo Vänska, Rafael Payare, Stéphane Denève, Krzysztof Urbanski, Fabien Gabel, Christoph Eschenbach, Santtu-Matias Rouvali, Alain Altinoglu, Kent Nagano, Edo de Waart, and Jukka-Pekka Saraste.

In 2023, Olivier premiered Esa-Pekka Salonen’s Sinfonia Concertante for organ and orchestra with the Berliner Philharmoniker, Orchestre de Paris and Finnish Radio Symphony Orchestra conducted by Esa-Pekka Salonen himself. Recent highlights include the Swiss, French and North American premieres of Pascal Dusapin’s Waves for organ and orchestra with the Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre de la Suisse Romande and Orchestre Symphonique de Montréal. Other past premieres have included Kaija Saariaho’s Maan Varjot for organ and orchestra with the Orchestre Symphonique de Montréal, Orchestre National de Lyon and Philharmonia Orchestra in 2014, and Michael Gandolfi’s concerto with Boston Symphony Orchestra in 2015. He also premiered Benoît Mernier’s organ concerto for the inauguration of Brussels’ BOZAR new organ in 2017. In 2019, he played the German premiere of Thierry Escaich’s Third Organ Concerto, with Dresdner Philharmonie and Stéphane Denève.

His strong attachment to the French organ repertoire led him to record Olivier Messiaen’s complete works for organ for Deutsche Grammophon which he also performed in recitals in Paris, London and New York. In 2005, he recorded a César Franck album for Deutsche Grammophon. Among several other recordings, Olivier also recorded Saint-Saëns’ Symphony No.3 with Christoph Eschenbach and the Philadelphia Orchestra for Ondine. In 2013, he released Trois Siècles d’Orgue à Notre-Dame de Paris on Naïve featuring music written by former and current titular organists at Notre-Dame. In 2016, he recorded a recital on the Philharmonie de Paris’ Rieger organ for Warner Classics. In 2019, he started a collaboration with La Dolce Volta label with an album called Bach to the Future. Recorded on the celebrated organ of Notre Dame, the album features Bach’s transcriptions and original works specially adapted to this extraordinary instrument. His latest album on La Dolce Volta, Liszt Inspirations, was recorded on the organ of the Philharmonie de Paris and released in 2021.

A former student of Gaston Litaize, Olivier Latry taught at the Conservatoire National Supérieur de Paris until 2024, and is a recipient of numerous international distinctions and awards worldwide, including the Prix de la Fondation Cino et Simone Del Duca (Institut de France – Académie des Beaux-Arts) in 2000, and Honoris Causa Fellowships from the North and Midlands School of Music (UK) in 2006, and from the Royal College of Organists (UK) in 2007. He was also named International Performer of the Year by the American Guild of Organists in April 2009, and received an honorary Doctor of Music degree from McGill University in Montreal in 2010.

Love it, change it or leave it - the three options with which gurus and calendar poets show us the way out of any possible misery. On her new album "Things You Leave Behind" Rebekka Bakken opts for all three of these possibilities: she loves life so much she experiences it in constant change and lets go of whatever wants to leave. The passage of time and things - elemental for her songs. "The last years have brought a lot of changes to my life, a lot of scary chaos," says the singer-songwriter. "My tour agent died, I have a new booking and a new label. I moved back to Norway, I have a new guy, and last but not least a child! It was a time of change. For me, this shows in this album, which is breaking down images and situations and expectations. There is no relying on anything when there is chaos, and that's when the good stuff starts to happen for me. The less ideas I have about what things are supposed to be, the more comes to the surface."

"Things You Leave Behind" presents Rebekka Bakken as an extraordinarily mature singer and songwriter. The album title marks both a new beginning and a retrospective and stands for music that experiences its future in the here and now. It is her personal liberation and a general slap in the face of critics and other unconscientious objectors. "The world has changed - and I'm not ready for it," says Rebekka Bakken. A few years ago, the Norwegian, who found her own voice in New York at the end of the nineties, moved back to Manhattan. "I'm looking for things to confirm myself. I wanted to co-vibrate with people around me and meet people like me, but everybody was drinking green organic juices and green tea. Soho with her Birkenstocks and not making noise. I always felt strange and weird, but rarely so much. "

Out of this mood, this irritation, the new songs emerged. Cindy Lauper's "Time After Time", the cosmopolitan Norwegian only sings her own songs - stylistically very different and yet connected by voice and the fixed rootsy instrumentation. You're looking for expressive spoken words à la Tom Waits ("Dance For You"), emotional gospel ("gospel"), rocking blues ("Black Shades"), melancholic country ("Sound Of Us"), a pinch of ragtime ( "Charlie"), or atmospheric vintage pop, as the deeply sad ballad "True North" or the wonderfully dramatic "Shelter", on this fantastic album. The music of this self-produced effort is lyrics: honest, unadorned and direct, recorded in a real studio, as analogue as you want it to be, with her longtime band. The title track already reflects the experiences and observations of a woman who knows what she wants with lines like "You know that I'm Norwegian, I like my men on ice" - with music that you want to hear and over again.

"An album is the result of a maturity," Rebekka Bakken says. "Looking at life from more angles, with more depth." The older you get the less serious you take yourself That's it! I invent people. I make up people. I just love me and I love to imagine more ways to live life. "Rebekka Bakken lets us share in all of this as exciting and as never before on this truly magnificent album.

Named titular organist at Notre-Dame in Paris at the age of 23 and organist Emeritus at the Orchestre National de Montréal since 2012, Olivier Latry is an accomplished, thoughtful and adventurous musician, exploring all possible fields of the organ music, with an exceptional talent as an improviser.

Der KAMMERCHOR STUTTGART gilt als eines der besten Ensembles seiner Art. Vor 50 Jahren im Januar 1968 gegründet, hat Frieder Bernius den Chor zu einer von Publikum und Presse gefeierten Ausnahmeerscheinung geformt. Das Repertoire des Chores reicht vom 17. bis zum 21. Jahrhundert.
Das Ensemble erhält Einladungen zu allen wichtigen europäischen Festivals und konzertiert in renommierten Konzerthäusern. Seine weltweite Reputation dokumentieren seit 1988 regelmäßige Nordamerika- und Asientourneen.
40 der insgesamt 100 eingespielten CD-Aufnahmen wurden mit Auszeichnungen prämiert

Die KLASSISCHE PHILHARMONIE STUTTGART setzt sich aus Musikern führender deutscher Sinfonieorchester zusammen, die mit Frieder Bernius seit langem zusammenarbeiten.
Für chorsinfonische Werke ist die Klassische Philharmonie das orchestrale Pendant zum Kammerchor Stuttgart bei renommierten Festspielen.
Gemeinsame Werke wie Brahms' “Ein deutsches Requiem” wurden als “disque du mois” ausgezeichnet.

Die Arbeit von FRIEDER BERNIUS findet weltweit große Anerkennung. Als Dirigent wie als Lehrer ist er international gefragt. Den Grundstein für seine außergewöhnliche Karriere legte 1968 die Gründung des Kammerchors Stuttgart.
Die Gründung des Barockorchesters Stuttgart und der Klassischen Philharmonie Stuttgart 1991 dokumentiert die stilistische Vielseitigkeit des Dirigenten Frieder Bernius.
Konzertreisen führten ihn zu allen wichtigen internationalen Festivals. Mehrere Male leitete er den Weltjugendchor und gastierte bei den Weltsymposien für Chormusik.
Seit 1998 ist Frieder Bernius Honorarprofessor der Musikhochschule Mannheim. 1987 rief er das Festival Stuttgart Barock ins Leben, das Stuttgart zu einem Zentrum der historisch informierten Aufführungspraxis machte.
Rund 90 Einspielungen hat er vorgelegt, die mit 40 internationalen Schallplattenpreisen ausgezeichnet wurden. 1993 erhielt er das Bundesverdienstkreuz, 2009 die Bach-Medaille der Stadt Leipzig.