Established as the leading worldwide ambassador for his instrument, French organist Olivier Latry has performed in the world’s most prestigious venues, been the guest of top orchestras throughout the world under renowned conductors, recorded for major labels and premiered an impressive number of works.

Named titular organist at Notre-Dame in Paris at the age of 23 and organist Emeritus at the Orchestre National de Montréal since 2012, Olivier Latry is an accomplished, thoughtful and adventurous musician, exploring all possible fields of the organ music, with an exceptional talent as an improviser.

Olivier Latry regularly appears in venues like the Berlin Philharmonie, Philharmonie de Paris, Walt Disney Hall Los Angeles, San Francisco’s Davies Hall, Amsterdam’s Concertgebouw, Hamburg’s Elbphilharmonie, Philadelphia’s Verizon Hall, Gewandhaus Leipzig, Vienna’s Musikverein and Konzerthaus, Palace of Arts Budapest, Royal Festival Hall and Royal Albert Hall in London, KKL Lucerne, Suntory Hall, Rotterdam’s de Doelen, Manchester’s Bridgewater Hall, and as a soloist with orchestras including Berliner Philharmoniker, Philadelphia Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Boston Symphony, NHK Symphony Orchestra, Münchner Philharmoniker, Philharmonia Orchestra, Wiener Symphoniker, Rotterdam Philharmonic, Sydney Symphony, RSO Wien, Hong-Kong Philharmonic, Toronto Symphony, Orchestre Symphonique de Montréal, Orchestre National de France, under conductors Myung-Whun Chung, Andris Nelsons, Esa-Pekka Salonen, Osmo Vänska, Rafael Payare, Stéphane Denève, Krzysztof Urbanski, Fabien Gabel, Christoph Eschenbach, Santtu-Matias Rouvali, Alain Altinoglu, Kent Nagano, Edo de Waart, and Jukka-Pekka Saraste.

In 2023, Olivier premiered Esa-Pekka Salonen’s Sinfonia Concertante for organ and orchestra with the Berliner Philharmoniker, Orchestre de Paris and Finnish Radio Symphony Orchestra conducted by Esa-Pekka Salonen himself. Recent highlights include the Swiss, French and North American premieres of Pascal Dusapin’s Waves for organ and orchestra with the Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre de la Suisse Romande and Orchestre Symphonique de Montréal. Other past premieres have included Kaija Saariaho’s Maan Varjot for organ and orchestra with the Orchestre Symphonique de Montréal, Orchestre National de Lyon and Philharmonia Orchestra in 2014, and Michael Gandolfi’s concerto with Boston Symphony Orchestra in 2015. He also premiered Benoît Mernier’s organ concerto for the inauguration of Brussels’ BOZAR new organ in 2017. In 2019, he played the German premiere of Thierry Escaich’s Third Organ Concerto, with Dresdner Philharmonie and Stéphane Denève.

His strong attachment to the French organ repertoire led him to record Olivier Messiaen’s complete works for organ for Deutsche Grammophon which he also performed in recitals in Paris, London and New York. In 2005, he recorded a César Franck album for Deutsche Grammophon. Among several other recordings, Olivier also recorded Saint-Saëns’ Symphony No.3 with Christoph Eschenbach and the Philadelphia Orchestra for Ondine. In 2013, he released Trois Siècles d’Orgue à Notre-Dame de Paris on Naïve featuring music written by former and current titular organists at Notre-Dame. In 2016, he recorded a recital on the Philharmonie de Paris’ Rieger organ for Warner Classics. In 2019, he started a collaboration with La Dolce Volta label with an album called Bach to the Future. Recorded on the celebrated organ of Notre Dame, the album features Bach’s transcriptions and original works specially adapted to this extraordinary instrument. His latest album on La Dolce Volta, Liszt Inspirations, was recorded on the organ of the Philharmonie de Paris and released in 2021.

A former student of Gaston Litaize, Olivier Latry taught at the Conservatoire National Supérieur de Paris until 2024, and is a recipient of numerous international distinctions and awards worldwide, including the Prix de la Fondation Cino et Simone Del Duca (Institut de France – Académie des Beaux-Arts) in 2000, and Honoris Causa Fellowships from the North and Midlands School of Music (UK) in 2006, and from the Royal College of Organists (UK) in 2007. He was also named International Performer of the Year by the American Guild of Organists in April 2009, and received an honorary Doctor of Music degree from McGill University in Montreal in 2010.

Love it, change it or leave it - the three options with which gurus and calendar poets show us the way out of any possible misery. On her new album "Things You Leave Behind" Rebekka Bakken opts for all three of these possibilities: she loves life so much she experiences it in constant change and lets go of whatever wants to leave. The passage of time and things - elemental for her songs. "The last years have brought a lot of changes to my life, a lot of scary chaos," says the singer-songwriter. "My tour agent died, I have a new booking and a new label. I moved back to Norway, I have a new guy, and last but not least a child! It was a time of change. For me, this shows in this album, which is breaking down images and situations and expectations. There is no relying on anything when there is chaos, and that's when the good stuff starts to happen for me. The less ideas I have about what things are supposed to be, the more comes to the surface."

"Things You Leave Behind" presents Rebekka Bakken as an extraordinarily mature singer and songwriter. The album title marks both a new beginning and a retrospective and stands for music that experiences its future in the here and now. It is her personal liberation and a general slap in the face of critics and other unconscientious objectors. "The world has changed - and I'm not ready for it," says Rebekka Bakken. A few years ago, the Norwegian, who found her own voice in New York at the end of the nineties, moved back to Manhattan. "I'm looking for things to confirm myself. I wanted to co-vibrate with people around me and meet people like me, but everybody was drinking green organic juices and green tea. Soho with her Birkenstocks and not making noise. I always felt strange and weird, but rarely so much. "

Out of this mood, this irritation, the new songs emerged. Cindy Lauper's "Time After Time", the cosmopolitan Norwegian only sings her own songs - stylistically very different and yet connected by voice and the fixed rootsy instrumentation. You're looking for expressive spoken words à la Tom Waits ("Dance For You"), emotional gospel ("gospel"), rocking blues ("Black Shades"), melancholic country ("Sound Of Us"), a pinch of ragtime ( "Charlie"), or atmospheric vintage pop, as the deeply sad ballad "True North" or the wonderfully dramatic "Shelter", on this fantastic album. The music of this self-produced effort is lyrics: honest, unadorned and direct, recorded in a real studio, as analogue as you want it to be, with her longtime band. The title track already reflects the experiences and observations of a woman who knows what she wants with lines like "You know that I'm Norwegian, I like my men on ice" - with music that you want to hear and over again.

"An album is the result of a maturity," Rebekka Bakken says. "Looking at life from more angles, with more depth." The older you get the less serious you take yourself That's it! I invent people. I make up people. I just love me and I love to imagine more ways to live life. "Rebekka Bakken lets us share in all of this as exciting and as never before on this truly magnificent album.

Named titular organist at Notre-Dame in Paris at the age of 23 and organist Emeritus at the Orchestre National de Montréal since 2012, Olivier Latry is an accomplished, thoughtful and adventurous musician, exploring all possible fields of the organ music, with an exceptional talent as an improviser.

Der KAMMERCHOR STUTTGART gilt als eines der besten Ensembles seiner Art. Vor 50 Jahren im Januar 1968 gegründet, hat Frieder Bernius den Chor zu einer von Publikum und Presse gefeierten Ausnahmeerscheinung geformt. Das Repertoire des Chores reicht vom 17. bis zum 21. Jahrhundert.
Das Ensemble erhält Einladungen zu allen wichtigen europäischen Festivals und konzertiert in renommierten Konzerthäusern. Seine weltweite Reputation dokumentieren seit 1988 regelmäßige Nordamerika- und Asientourneen.
40 der insgesamt 100 eingespielten CD-Aufnahmen wurden mit Auszeichnungen prämiert

Die KLASSISCHE PHILHARMONIE STUTTGART setzt sich aus Musikern führender deutscher Sinfonieorchester zusammen, die mit Frieder Bernius seit langem zusammenarbeiten.
Für chorsinfonische Werke ist die Klassische Philharmonie das orchestrale Pendant zum Kammerchor Stuttgart bei renommierten Festspielen.
Gemeinsame Werke wie Brahms' “Ein deutsches Requiem” wurden als “disque du mois” ausgezeichnet.

Die Arbeit von FRIEDER BERNIUS findet weltweit große Anerkennung. Als Dirigent wie als Lehrer ist er international gefragt. Den Grundstein für seine außergewöhnliche Karriere legte 1968 die Gründung des Kammerchors Stuttgart.
Die Gründung des Barockorchesters Stuttgart und der Klassischen Philharmonie Stuttgart 1991 dokumentiert die stilistische Vielseitigkeit des Dirigenten Frieder Bernius.
Konzertreisen führten ihn zu allen wichtigen internationalen Festivals. Mehrere Male leitete er den Weltjugendchor und gastierte bei den Weltsymposien für Chormusik.
Seit 1998 ist Frieder Bernius Honorarprofessor der Musikhochschule Mannheim. 1987 rief er das Festival Stuttgart Barock ins Leben, das Stuttgart zu einem Zentrum der historisch informierten Aufführungspraxis machte.
Rund 90 Einspielungen hat er vorgelegt, die mit 40 internationalen Schallplattenpreisen ausgezeichnet wurden. 1993 erhielt er das Bundesverdienstkreuz, 2009 die Bach-Medaille der Stadt Leipzig.

Biografien folgen noch

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Capella Sollertia
Mit ihrer weithin beachteten Aufführung von Johann Sebastian Bachs Matthäus-Passion - der Geburtsstunde des Ensembles im Jahr 2019 - hat die capella sollertia ihren hervorragenden Ruf als Barockensemble von Sänger:innen und Instrumenta-list:innen unter der künstlerischen Leitung von Johanna Soller begründet. Die mitteldeutsche Vokalmusik rund um Johann Sebastian Bach bildet den Kern der Ensemblearbeit, die einen textnahen und rhetorischen Ansatz verfolgt und auf eine Gleichberechtigung von Gesang und Orchester achtet. Die Besetzungsgröße ist dabei flexibel und richtet sich nach Werk und Aufführungsort - von solistisch bis hin zu größeren Besetzungen, wobei die Solist:innen immer aus dem Ensemble heraus singen. Auch Kammerkonzerte, in denen Sänger:innen und Instrumentalist:innen solistisch hervortreten, sind Teil der Programme. In der Konzertreihe Cantate um 1715 widmet sich die capella monatlich dem Kantatenwerk Johann Sebastian Bachs und stellt der jeweiligen Bach-Kantate die Kantate eines Zeitgenossen gegenüber. Dabei werden auch vergessene Kompositionen wiederentdeckt und eigens ediert.
Immer bestrebt um konzeptionelle Programme und die Verbindung von bekanntem und noch unentdecktem Repertoire hat die capella sollertia ihren Namen zum Anspruch des eigenen Musizieren gemacht.

Johanna Soller zählt als Dirigentin, Cembalistin und Organistin zu den führenden und vielseitigsten Künstler:innen ihrer Generation und hat sich in noch jungen Jahren einen herausragenden Ruf als Spezialistin für Vokalmusik und die Historische Aufführungspraxis erworben.
Johanna Soller ist Künstlerische Leiterin des von ihr gegründeten Ensembles capella sollertia, bestehend aus einem professionellen Vokalensemble und Originalklang-Orchester, mit dem sie in München die Bach-Kantaten-Reihe Cantate um 1715 gestaltet. Ein Schwerpunkt der Ensemblearbeit liegt auf der Wiederentdeckung vergessener Werke aus Bachs Umfeld. Derzeit arbeitet sie an einer Gesamteinspielung der Kantaten Johann Ludwig Bachs. Eine enge Zusammenarbeit verbindet sie mit der Nederlandse Bachvereniging, deren Tournee mit Bachs Matthäus-Passion sie 2024 dirigieren wird - mit Stationen u.a. im Concertgebouw Amsterdam. Seit Beginn der Saison 2023/24 ist sie Künstlerische Leiterin des Münchener Bach-Chores und Bach-Orchesters.

Als gefragte Chordirigentin übernahm sie Einstudierungen für Ensembles wie den MDR-Rundfunkchor Leipzig, sowie für Dirigenten wie Zubin Mehta und Sir Simon Rattle. Johanna Soller war Stipendiatin im Forum Dirigieren des Deutschen Musikrats. Auf dem Konzertpodium trat sie u.a. mit den Münchener Symphonikern und dem Orquesta de Córdoba auf. Als versierte Basso Continuo-Spielerin an Orgel und Cembalo musiziert Johanna Soller mit Ensembles mit dem Freiburger Barockorchester, Vox Luminis und dem Kammerorchester des BRSO. Engagements führten sie in zahlreiche bedeutende Konzerthäuser in Europa und Israel, zu den Int. Händel-Festspielen Göttingen, den Thüringer Bachwochen und dem Verbier Festival. Für die szenische Produktion von Händels Saul war sie am Theater an der Wien als Studienleiterin engagiert. Mit Händels Giulio Cesare in Egitto gab sie ihr Debüt als Operndirigentin und macht sich hier besonders als Maestra al cembalo einen Namen. Von 2019 bis 2023 hatte sie die Musikalische Leitung der Kammeroper München inne.

Johanna Soller ist Organistin an St. Peter in München und unterrichtet an der Musikhochschule eine Oratorien-Klasse. Sie absolvierte ihr Studium in München und war Preisträgerin des Int. Musikwettbewerbs Prager Frühling und Stipendiatin des Deutschen Musikwettbewerbs. 2020 wurde Johanna Soller mit dem Bayerischen Kunstförderpreis ausgezeichnet, 2023 mit dem Kirchenmusik-Preis der Bücher-Dieckmeyer-Stiftung und dem Eugen-Jochum-Preis für Dirigent:innen.

Windsbacher Knabenchor
Seit seiner Gründung durch den ehemaligen Kruzianer Hans Thamm im Jahre 1946 hat der Windsbacher Knabenchor Generationen junger Menschen geprägt und musikalisch verbunden. Mehr als 1500 Jungen und junge Männer haben einen entscheidenden Abschnitt ihres Lebens im Windsbacher Sängerinternat verbracht. Die Knaben, die damals in den Chor aufgenommen wurden, gehören mittlerweile zur Generation „80 plus“. Nachwuchssänger, die heute nach Windsbach kommen, könnten ihre Enkel oder Urenkel sein. Im Jahr 1978 übernahm Karl-Friedrich Beringer die Geschicke des Ensembles und führte es zu internationalem Renommee. Von 2012 bis 2022 prägte Martin Lehmann, ebenfalls ehemaliger Kruzianer, den reinen und unverwechselbaren Klang der Windsbacher. Seit September 2022 ist Ludwig Böhme der neue Künstlerische Leiter der Windsbacher.

Bei bis zu 70 Auftritten in Bayern, in Deutschland und dem Ausland begeistert der Chor jedes Jahr tausende von Konzertbesuchern. Geschichte geschrieben haben die Windsbacher, als sie als erstes deutsches Ensemble der Nachkriegszeit in Israel mit der ungekürzten Matthäus-Passion auftreten durften. Bei offiziellen Staatsbesuchen mit verschiedenen Bundespräsidenten wurden sie zu musikalischen Botschaftern ihres Heimatlandes. Aus dem „Provinzchörle“ der 50er Jahre ist einer der angesehensten Knabenchöre der Welt geworden.

Geistliche Musik ist der musikalische Schwerpunkt der Windsbacher. Das Repertoire reicht von der Renaissance bis zur Moderne. Neben A-cappella-Werken aller Epochen umfasst es auch die großen Oratorien von Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Wolfgang Amadeus Mozart, Felix Mendelssohn Bartholdy, Johannes Brahms und Igor Strawinsky.

Berühmte Dirigenten wie Kent Nagano und Ensembles wie das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin, die Akademie für Alte Musik Berlin oder das Freiburger Barockorchester arbeiten gern mit dem Chor zusammen. Zahlreiche CD-Produktionen sowie Hörfunk- und Fernsehauftritte überzeugen Musikkritiker und Publikum gleichermaßen.

Regelmäßige Einladungen zu wichtigen Festivals wie dem Rheingau Musik Festival oder der Bachwoche Ansbach unterstreichen die Bedeutung des Windsbacher Knabenchors im nationalen und internationalen Musikleben. Jährliche Konzertreisen führen die Windsbacher nicht nur ins europäische Ausland, sondern auch nach Japan, Nord- und Südamerika, Israel, Australien, Taiwan, Singapur, die USA, den Vatikan und seit 2009 mehrfach in die Volksrepublik China.

Seine erste Saison mit dem Windsbacher Knabenchor führte Ludwig Böhme und seine Sänger nach Spanien. Dort kam das Weihnachtsoratorium von J.S. Bach unter anderem in Sevilla, Madrid und im Palau de la Música Catalana in Barcelona (Video) zur Aufführung. Neben vielen A-cappella-Konzerten erklingt im Frühjahr/Sommer 2023 die Johannespassion in Breslau und Nürnberg sowie im Rahmen des Rheingau Musik Festivals und der Bachwoche Ansbach.

Spark denkt Klassik neu. Das Quintett stellt Bach, Vivaldi, Mozart & Co in einen frischen Kontext und schafft Anknüpfungsmomente mit den Klängen und dem Lebensgefühl der Gegenwart. Im Kern klassisch, nach außen eigenwillig, neugierig und unangepasst, schlägt die Gruppe ihr Ideenzelt auf einem offenen Feld zwischen Klassik, Minimal Music und Avantgarde auf. Lustvoll und lässig werden Stile gemixt und die zahlreichen Klangvariationen ausgelotet, die ihr reiches Instrumentarium aus über 40 verschiedenen Flöten, Violine, Viola, Violoncello, Melodica und Klavier zu bieten hat. Im Jahr 2007 gegründet und 2011 mit dem ECHO Klassik ausgezeichnet, hat sich die Formation längst einen festen Platz an der Spitze der jungen kreativen Klassikszene erspielt. Weltweit ist sie auf renommierten Bühnen und Festivals zuhause – sei es in kammermusikalischen Auftritten zu fünft, aufregenden Kooperationsprojekten oder als Solistenensemble mit Orchester. Von ihren Fans wird die abenteuerlustige Formation vor allem für ihre mitreißenden, hoch energetischen Live-Performances geliebt. Mit überschäumender Vitalität und der pulsierenden Kraft einer Rockband leben sich die fünf Gruppenmitglieder auf der Bühne aus. Gemeinsam präsentieren sie eine leidenschaftliche Musik, die zündet. Gemeinsam sind sie Spark.

Die ausgefallenen Programme von Spark leben von schnellen Schnitten und einem selbstverständlichen Neben- und Miteinander verschiedener Epochen und Genres. Einer Ballettmusik des jungen Mozarts werden aktuelle Technoklänge gegenübergestellt, Händel-Motive werden sequenziert, ein Vivaldi-Konzert mündet auf halber Strecke in moderne Minimal Music, Couperin verwandelt sich zur entschleunigten Ambientcollage, Mendelssohn wird mit avantgardistisch-folkigen Farben neu eingekleidet, Bach tritt mit Berio und den Beatles in einen aufregenden Dialog. Die Wiener Zeitung spricht von „erfrischenden Klangwelten, die in ein unkonventionelles Konzept verpackt sind.“ Dabei geschieht nichts zum Selbstzweck oder aus purer Effekthascherei. Hier wird mit viel Sorgfalt und Know-How, aber auch der nötigen Prise Experimentierfreude vorgegangen. So klingt Klassik im Hier und Jetzt, gespielt von einer Gruppe, die ihre Botschaft lebt. „Diese Künstler lassen der Klassik all ihre Kompliziertheit“, so die Süddeutsche Zeitung, „sie verändern lediglich den Kontext und verdeutlichen, dass Popmusik für sie genauso zum Kulturgut gehört wie Klassik.“ Die WELT betitelt Spark als „hochkarätige Band” und die niederländische Volkskrant zählt Spark zu den wenigen Ensembles, „die über das Potential verfügen, Einflüsse aus Pop und Dance überzeugend mit klassischer Musik zu verbinden.“ Der American Record Guide sieht in Spark ein „echtes Phänomen in der klassischen Musikszene, das Yo-Yo Ma oder dem Kronos Quartett ähnelt, aber noch lebendiger daherkommt.“

Neben clever arrangierten klassischen Meisterwerken legt Spark ein Hauptaugenmerk auf zeitgenössische Musik und arbeitet mit einer Riege international bekannter Komponistinnen und Komponisten zusammen. Unter anderem haben Johannes Motschmann, Chiel Meijering, Elena Kats-Chernin, Kenji Bunch, Kamran Ince, Roger Wanamo, Jonne Valtonen, Lev Ljova Zhurbin und Sebastian Bartmann maßgeschneiderte Werke für Spark geschaffen, die der breiten Klangpalette und der meisterhaften Virtuosität der Gruppe Rechnung tragen. Völlig verschieden in ihrer jeweiligen klanglichen Ausprägung, eint diese Kompositionen ihre tonale Grundorientierung und die Verinnerlichung der verschiedensten musikalischen Welten. Das Resultat ist ein faszinierender Klangkosmos, der einem breiten Publikum zugänglich bleibt und zugleich eine durch und durch moderne Haptik aufweist. Eigenkompositionen erweitern die Bandbreite des Ensembles und unterstreichen die Position der fünf Gruppenmitglieder. Sie möchten sich nicht ausschließlich auf interpretatorisch-nachschaffende Aspekte beschränken, sondern sich auf allen Ebenen eigenständig und kreativ-schöpferisch zum Ausdruck bringen. Damit stehen sie für ein neues Selbstverständnis einer jungen Generation von Musikerinnen und Musikern, die den Umgang mit der klassischen Tradition für sich selbst neu definieren.

Ludwig Böhme liebt Vokalmusik in ihrer Vielfalt – als Dirigent, Dozent, Sänger und Arrangeur. Ludwig Böhme ist seit 2022 künstlerischer Leiter des Windsbacher Knabenchores.
Seine Kindheit verbrachte Böhme im Thomanerchor Leipzig und studierte danach Chordirigieren an der Hochschule für Musik und Theater in Leipzig. 1999 gründete er mit anderen ehemaligen Thomanern das Calmus Ensemble. 23 Jahre lang war er Bariton und kreativer Kopf des Leipziger Quintetts, welches sich unter seiner Mitwirkung zu einer der international erfolgreichen und vielfach ausgezeichneten Vokalgruppe entwickelte.

Von 2002 bis 2022 leitete Böhme den Kammerchor Josquin des Préz, mit welchem er 2018 einen Ersten Preis beim Deutschen Chorwettbewerb errang. Böhme war Intendant und Initiator der Konzertreihe „Josquin – Das Projekt“, der weltweit ersten Gesamtaufführung des josquinschen Werkes, die 2004 in der Leipziger Thomaskirche begann und dort 2017 ihren erfolgreichen Abschluss feierte.

Zehn Jahre lang prägte Ludwig Böhme als künstlerischer Leiter den Leipziger Synagogalchor, ein vielfach ausgezeichnetes Ensemble, welches sich ausschließlich synagogaler und jiddischer Musik widmet. Mit vielen Projekten – von der Wiederentdeckung chorsinfonischer Werke bis hin zu Toleranz-Konzepten hat er dazu beigetragen, jüdische Musik in der Chorszene sichtbarer zu machen.

Eine rege Bühnentätigkeit ist die Folge: Böhme war Gast bei allen großen deutschen Musikfestivals, konzertiere in zahlreichen europäischen Ländern, in Israel, Mittel- und Südamerika und tourte über mal 30 mal in den USA und Kanada. Er arbeitete u.a. mit dem Freiburger Barockorchester, dem Kammerorchester Basel, dem Wroclaw Baroque Orchestra, dem Orquesta Barroca de Sevilla, der lautten compagney berlin, der Staatsphilharmonie Nürnberg, dem MDR Sinfonieorchester oder der HR Bigband zusammen. Mehr als 30 CD-Produktionen, prämiert u.a. mit OPUS und ECHO Klassik sowie mehreren CARA- und Supersonic Awards, dokumentieren sein umfangreiches Schaffen. Ludwig Böhme unterrichtete Dirigieren an den Musikhochschulen in Leipzig und Halle, er gibt regelmäßig Workshops und Meisterkurse und ist als Komponist und Arrangeur aktiv. Zusammen mit seiner Familie lebt er in Windsbach.

Tenebrae Choir
„Ein Chor der Superlative!“ (Oberösterreichische Nachrichten vom 20. September 2022)
„Wenn es so etwas wie Perfektion im A-cappella-Gesang gibt, dann ist der Tenebrae Choir nah dran.“ (Hannoversche Allgemeine vom 16.09.2019)
„Vokalmusik in dieser Vollendung und von diesem ästhetischen Anspruch (...) hat absoluten Seltenheitswert.“ (Rheinpfalz - Speyerer Rundschau vom 22.05.2018)

Beschrieben als „phänomenal“ (The Times) und „umwerfend schön“ (Gramophone Magazine) ist der preisgekrönte Tenebrae Choir eines der weltweit führenden Vokalensembles, das für seine Leidenschaft und Präzision bekannt ist. Unter der Leitung von Nigel Short tritt der Tenebrae Choir bei bedeutenden Festivals und Veranstaltungsorten in der ganzen Welt auf, darunter den BBC Proms, dem Edinburgh International Festival, der Elbphilharmonie Hamburg, dem Gstaad Menuhin Festival und dem Melbourne Festival.

Die Interpretationen sind hochgelobt und reichen von der Renaissance bis hin zu zeitgenössischen Meisterwerken von Komponistinnen und Komponisten, wie Judith Bingham, Ola Gjeilo, Alexander L’Estrange, Alexander Levine, Paweł Łukaszewski, Paul Mealor, Hilary Tann, Joby Talbot, Sir John Tavener und Will Todd. Das Vokalensemble wird mit den besten Orchestern der Welt engagiert und tritt regelmäßig mit der Academy of Ancient Music, dem Aurora Orchestra und der Britten Sinfonia auf und veranstaltet außerdem ein jährliches Karwochen Festival in Zusammenarbeit mit St John’s Smith Square.

Die Entwicklung des Chors ist auch ein zentraler Bestandteil des Ethos von Tenebrae und der Chor hat eine inspirierende Workshop-Methode, den Tenebrae-Effekt, entwickelt, um jeden Teilnehmer zu fordern und zu fördern, indem er Fähigkeiten vermittelt, die für eine Tenebrae-Aufführung essenziell ist. Seit 2016 bietet der Chor einem Quartett herausragender junger professioneller Sängerinnen und Sänger entscheidende Ausbildungs- und Auftrittsmöglichkeiten im Rahmen des Associate Artist Scheme. Als Teil dieses Stipendiums erleben diese jungen Sänger regelmäßig Workshops zur Chorentwicklung in Zusammenarbeit mit den Bildungspartnern von Tenebrae, dem Music Centre London und dem London Youth Choir.

Die ständig wachsende Diskographie von Tenebrae hat zu einer Zusammenarbeit mit Signum, Decca Classics, Deutsche Grammophon, EMI Classics, LSO Live und Warner Classics geführt. Im Jahr 2012 war Tenebrae das erste Ensemble, das mehrfach in derselben Kategorie für die BBC Music Magazine Awards nominiert wurde und erhielt die Auszeichnung „Beste Chordarbietung“ für die Aufnahme von Victorias Requiem-Messe von 1605. Im darauffolgenden Jahr wurde Tenebrae’s Fauré-Requiem mit dem London Symphony Orchestra für die Gramophone Awards nominiert, nachdem es als „das beste Fauré-Requiem auf CD“ und „die englische Chortradition auf ihrem Höhepunkt“ bezeichnet (Richard Morrison, leitender Musikkritiker, The Times) wurde.

2014 erreichte die Aufnahme des Chors mit russisch-orthodoxer Musik, „Russian Treasures“, die Nummer 1 in den britischen Specialist Classical Charts. Im Jahr 2016 erhielt Tenebrae seinen zweiten BBC Music Magazine Award für eine Einspielung von Brahms- und Bruckner- Motetten, deren Verkaufserlös dem Macmillan Cancer Support diente und erhielt 2018 eine Grammy-Nominierung für „Music of the Spheres“, ein Album mit Liedern von den Britischen Inseln. „Leidenschaft und Präzision“ sind die Kernwerte von Tenebrae. Durch diese Ideale schafft es dieses einzigartige Ensemble dramatische Programme, makellose Aufführungen und unvergessliche Erlebnisse zu bieten, die es dem Publikum auf der ganzen Welt ermöglichen, von der Kraft und Intimität der menschlichen Stimme bewegt zu werden.

Nigel Short
Der preisgekrönte Dirigent Nigel Short hat für seine Aufnahmen und Live-Auftritte mit führenden Orchestern und Ensembles in aller Welt breite Anerkennung bekommen. Als ehemaliges Mitglied des renommierten Vokalensembles The King’s Singers (1994 – 2000) gründete er 2001 Tenebrae, einen virtuosen Chor, der die Leidenschaft eines Kathedralchors mit der Präzision eines Kammerensembles verbindet. Unter seiner Leitung hat Tenebrae mit international anerkannten Orchestern und Instrumentalisten zusammengearbeitet und genießt nun den Ruf als eines der besten Vokalensembles der Welt.

Bis heute dirigierte Nigel Short die Academy of Ancient Music, das Aurora Orchestra, das BBC Symphony Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, English Chamber Orchestra, English Concert, das London Philharmonic Orchestra, das London Symphony Orchestra, das Orchestra of the Age of Enlightenment, Royal Philharmonic Orchestra, Scottish Ensemble und Britten Sinfonia. Er leitete das London Symphony Orchestra zusammen mit Tenebrae bei einer Live-Aufnahme von Faurés Requiem, die für die Gramophone Awards (2013) nominiert wurde und seither hat er das Orchester in der St. Paul’s Cathedral im Rahmen des City of London Festival dirigiert. Zu seinen weiteren Orchesteraufnahmen gehören Mozarts Requiem und Ave Verum Corpus mit dem Chamber Orchestra of Europe und eine neue Veröffentlichung von Musik von Bernstein, Strawinski und Zemlinski mit dem BBC Symphony Orchestra, die als „Meisterleistung der Programmierung“ (Financial Times) beschrieben wird. Zu seinen jüngsten Gastdirigaten zählen die BBC Singers, der MDR Rundfunkchor Leipzig und das Danish National Vocal Ensemble.

Nigel Short verfügt über umfangreiche Aufnahmeerfahrungen und hat für viele der weltweit wichtigsten Labels, wie Decca Classics, Deutsche Grammophon, EMI Classics, LSO Live, Signum und Warner Classics dirigiert. Im Jahr 2018 erhielt er eine Grammy-Nominierung in der Kategorie „Beste Chordarbietung“ für das Tenebrae-Album „Music of the Spheres“ mit Liedern von den britischen Inseln. Als ein mit dem Gramophone Award ausgezeichneter Produzent arbeitet er mit vielen der führenden professionellen Chöre und Vokalensembles Großbritanniens, darunter Alamire, Ex Cathedra, Gallicantus und The King’s Singers.

Love it, change it or leave it - the three options with which gurus and calendar poets show us the way out of any possible misery. On her new album "Things You Leave Behind" Rebekka Bakken opts for all three of these possibilities: she loves life so much she experiences it in constant change and lets go of whatever wants to leave. The passage of time and things - elemental for her songs. "The last years have brought a lot of changes to my life, a lot of scary chaos," says the singer-songwriter. "My tour agent died, I have a new booking and a new label. I moved back to Norway, I have a new guy, and last but not least a child! It was a time of change. For me, this shows in this album, which is breaking down images and situations and expectations. There is no relying on anything when there is chaos, and that's when the good stuff starts to happen for me. The less ideas I have about what things are supposed to be, the more comes to the surface."

"Things You Leave Behind" presents Rebekka Bakken as an extraordinarily mature singer and songwriter. The album title marks both a new beginning and a retrospective and stands for music that experiences its future in the here and now. It is her personal liberation and a general slap in the face of critics and other unconscientious objectors. "The world has changed - and I'm not ready for it," says Rebekka Bakken. A few years ago, the Norwegian, who found her own voice in New York at the end of the nineties, moved back to Manhattan. "I'm looking for things to confirm myself. I wanted to co-vibrate with people around me and meet people like me, but everybody was drinking green organic juices and green tea. Soho with her Birkenstocks and not making noise. I always felt strange and weird, but rarely so much. "

Out of this mood, this irritation, the new songs emerged. Cindy Lauper's "Time After Time", the cosmopolitan Norwegian only sings her own songs - stylistically very different and yet connected by voice and the fixed rootsy instrumentation. You're looking for expressive spoken words à la Tom Waits ("Dance For You"), emotional gospel ("gospel"), rocking blues ("Black Shades"), melancholic country ("Sound Of Us"), a pinch of ragtime ( "Charlie"), or atmospheric vintage pop, as the deeply sad ballad "True North" or the wonderfully dramatic "Shelter", on this fantastic album. The music of this self-produced effort is lyrics: honest, unadorned and direct, recorded in a real studio, as analogue as you want it to be, with her longtime band. The title track already reflects the experiences and observations of a woman who knows what she wants with lines like "You know that I'm Norwegian, I like my men on ice" - with music that you want to hear and over again.

"An album is the result of a maturity," Rebekka Bakken says. "Looking at life from more angles, with more depth." The older you get the less serious you take yourself That's it! I invent people. I make up people. I just love me and I love to imagine more ways to live life. "Rebekka Bakken lets us share in all of this as exciting and as never before on this truly magnificent album.

Named titular organist at Notre-Dame in Paris at the age of 23 and organist Emeritus at the Orchestre National de Montréal since 2012, Olivier Latry is an accomplished, thoughtful and adventurous musician, exploring all possible fields of the organ music, with an exceptional talent as an improviser.